Música a partir de chatarra

La fabricación de instrumentos musicales a partir de materiales reciclados o descartados, es decir, chatarra, es un fenómeno mundial. Existen orquestas enteras en Venezuela y otras culturas relativamente empobrecidas, donde los niños utilizan instrumentos desechados para participar en orquestas de sus compañeros, aprendiendo a tocar y a dar conciertos juntos. Hay muchos, muchos videos en YouTube que muestran a estos grupos, así como videos instructivos sobre materiales opcionales y demostraciones de técnicas de construcción para producir instrumentos que se puedan tocar.

En el RIC, el Seminario de primer año “Música a partir de chatarra” comienza con estos videos y breves conferencias sobre sonido, vibración y acústica para allanar el camino hacia la búsqueda de materias primas: cajas resistentes y resonantes, tubos, baldes, etc., junto con alambre, cordel, bandas elásticas, cuerdas elásticas, etc. El proceso de construcción es largo y experimental, y requiere muchos viajes al taller del departamento de teatro, donde los técnicos construyen los decorados y la utilería para las producciones teatrales. Para nosotros, ellos, generosamente, cortaron, taladraron, atornillaron, pegaron o doblaron partes de los instrumentos inventados, llevando el proceso mucho más allá de lo que somos capaces de lograr en el aula. Adquirimos en Amazon mil bandas elásticas, de todos los tamaños, calidades y colores imaginables, que se convirtieron en cuerdas para cajas y guitarras de cubo.

Comenzaron a surgir instrumentos, con distintos grados de funcionalidad. Algunos tuvieron éxito, mientras qu

e otros fueron desechados o reacondicionados para lograr un mejor potencial de sonido. Para empezar a tocar con fuentes de sonido viables, se “afinaron” una cantidad de copas de vino con tallo del comedor con diferentes cantidades de agua en cada una, y luego se numeraron del 1 al 8, indicando qué nota de la escala tocaban. Cada uno de los 22 estudiantes llevó un par de copas de diferentes tonos a su escritorio, donde comenzaron a descubrir cómo tocar los bordes con un dedo mojado. Se escribieron combinaciones de números de escala en la pizarra y los estudiantes tocaron cuando se les señaló su número. De esta manera, pudieron tocar una pequeña canción pop. Aquí está el video de ese día:

A medida que la construcción del instrumento se acercaba a su finalización, las clases se dedicaron a aprender los conceptos básicos de la composición musical. Utilizando una línea de tiempo gráfica para representar visualmente una composición, su duración y partes, los estudiantes podían indicar elementos de contraste, repetición, variedad, variación, atmósfera, emoción, historia, etc. Se asignó a los estudiantes componer una pieza para su propio instrumento, practicarla y luego tocar en un concierto para la clase. Este concierto tuvo lugar aproximadamente a mitad del semestre.

Luego, los estudiantes se dividieron en grupos pequeños, conjuntos de 4 a 5 músicos, según qué instrumentos funcionarían mejor juntos. En este punto, las clases alternaron entre videos de conjuntos improvisados ​​tocando, conferencias continuas sobre técnicas de composición y ensayos de los grupos. Los ensayos requirieron varias salas aisladas. Estas actividades fueron observadas y criticadas sobre cómo negociaban su música, con sugerencias y estímulos para la participación máxima. Al final de cada clase, los grupos regresaron al aula y presentaron lo que habían logrado ese día. El último día de clases fue un concierto formal de aquellos grupos que habían nombrado a su grupo, titulado su música y estaban preparados para actuar. Aquí está ese concierto.

La transformación de este grupo de estudiantes de primer año, de cínicos que ponían los ojos en blanco a alegres improvisadores y colaboradores fue espectacular. Esto se logró a través de muchas conversaciones individuales sobre la construcción, el contenido de la composición, las técnicas de interpretación y las estrategias de ensayo. La universidad postula múltiples resultados deseados para estos seminarios obligatorios de primer año, de los cuales este es solo uno de muchos. Los resultados claros de este son quizás los más difíciles de lograr: compromiso, interacción, comunicación y presencia activa, que se demostraron ampliamente en los ensayos y las actuaciones de estos estudiantes. Aprecio los vínculos que se formaron y los extrañaré.

 

El profesor John Sumerlin es director de cuerdas y composición en RIC. Enseña violín, viola, música de cámara, composición, orquestación y dirige la Orquesta de Cámara en RI College. También es el líder del Cuarteto de Cuerdas Proteus, que reside en la universidad desde 2011. Ha participado en orquestas profesionales como la Sinfónica Americana (Stokowski), las orquestas de Dallas, Cincinnati, Honolulu y la Ópera de Santa Fe como primer violín. Mientras era concertino de la Sinfónica de Amarillo, fundó el Cuarteto de Cuerdas Harrington con una dotación permanente de la Fundación Harrington y llevó al cuarteto a la final de la primera Competencia Internacional de Cuartetos de Banff. Representado por Artistry Associates International Management, realizó recitales como solista en los EE. UU., Canadá, México y Europa.